Weiße Reliefkeramik

Diesmal musste ich einige Objekte, da ich nur ein paar davon habe, für die Fotosession von Freunden ausleihen. Damit wir genug Vielfalt (Wann ist genug Vielfalt?) sehen können. Ich möchte hier, wie immer, eine bestimmte Art von Gegenständen unter die Lupe nehmen und mich (- und sie?) fragen, was sie ausmacht und was das mit mir macht.

(Scroll down down down for the English version)

Ich habe bereits einen Post über weißes Porzellan gemacht, auch als Kontrast zu Schwarz waren die Objekte schon Thema. Manche sorgen hier auch für ein déjà-vu.

Hier geht es primär um die Oberflächenstruktur, die diese Objekte zusätzlich zu ihrem Weißsein tragen. Diese Aufnahmen sind fern vom Sonnenlicht, das andere Serien sättigt und dramaturgisch auflädt. Die Vielfalt dieser Reliefs, gerade zusammen im Dialog, unterstreicht die Ähnlichkeiten und Unterschiede, verschiedene Kombinationen nehmen aufeinander Bezüge.

Auch damit verbunden sind verschiedene Nuancen von Weiß, das kalte Weiß der Bisquitporzellan-Gefäße, die milchige Glasur der Keramik etwas wärmer – ich finde, unterschiedliche Nuancen ergänzen sich viel harmonischer, als identische Beschaffenheit der Oberflächen.

Warum habe ich sie nicht hier in meiner Sammlung und muss sie ausleihen? Als Ausnahme hab ich sie gerne, vor allem die schwungvolle Schale mit Rocaille Decor (die auch nicht wirklich in das Schema passt, weil ihre Form als Ganzes sehr ornamental ist), aber eine ganze Sammlung wäre mir zu konsequent, und – nicht zuletzt – zu sehr im Trend. Aktuell werden viele dieser Originale gesammelt beziehungsweise neu oder ähnlich aufgelegt, sie scheinen sich in die minimalistische Umgebung gut zu integrieren. Interessanterweise, scheint Weiß vielen Minimalisten nicht ausreichend zu sein, entgegen der modernistischen Verachtung für das Ornament haben diese Objekte nicht nur Form und Funktion, sondern auch Dekor. Das scheint sie deutlich und buchstäblich zu prägen, ohne auf die Funktion großen Einfluss zu haben. Gut, sie haben die Haptik, Grip, OK, aber im Wesentlichen nicht notwendig, um eine Vase zu heben, oder?

Bei weißen, skulpturalen Formen muss ich immer mit Ironie an die Wahrnehmung der wieder entdeckten Antike denken und an die Enttäuschung, dass die noblen weißen Gestalten tatsächlich im Originalzustand bunt angemalt worden waren.

Anders als in meinen früheren Artikeln, werfe ich die Sachen nicht auf einen Chaos-Haufen, um ihre Interaktionen kreuz und quer zu fangen und mich überraschen zu lassen, weil ich die geliehenen Vasen auf keinen Fall beschädigen möchte. Ich stelle sie vorsichtig auf eine weiße Glasplatte und vor eine weiße Wand in meinem Atelier (die einzigen weißen Wände in unserer Wohnung). Das ergibt eine ziemlich statische, konservative Komposition, was mich selbst wundert. Aber ich lasse es mir von den Gefäßen diktieren, und schaue, wohin mich das führt. Es soll ja schlüssig sein und das Styling dem Charakter optimal entsprechen.

Was ich gerne dabei beobachte, sind hier die Farbnuancen von Schatten: Es sind durchaus nicht einheitlich graue Tiefen, sie werden nämlich von dem, das sich außerhalb des Bildes befindet, beeinflusst (oder, wie ich gerne sage, abgeschmeckt). Ach wie philosophisch!

Diese Schattenspiele, wenn man sich kurz aufhält, um sie zu verinnerlichen, sind eine Art Zeichnung mit vielen Überschneidungen.

Ob die Muster immer mit der jeweiligen Form gut zusammenspielen, möchte ich bei manchen Objekten bezweifeln. Aber mir geht es um die Interaktion. Karierte, strenge Struktur, die ihre Schatten an eine „Barokoko“ Schale weiterleitet, wo sie einen Schwung wie auf einer Achterbahn bekommen… Seht Ihr diese Bewegung? Das ist möglich, wenn Details nicht nur eines kurzen Blickes gewürdigt werden, sondern wenn sich ein fragendes Auge Zeit für die Feinheiten erlaubt.
Etwas entschleunigen und mit Licht-Schatten Strukturen verschmelzen.

Das war die Stillleben-Serie, das komische Wort mit drei „L“, (was dadurch vielleicht umso stiller erscheinen mag?). Danach wollte ich die Protagonisten mit einer anderen, aber verwandten Struktur in einem kontrastierenden Material konfrontieren. Was sich selbstverständlich angeboten hat, waren andere dekorative Elemente, diesmal textiler Art, die genauso wie bei den Gefäßen, nicht die Funktion bestimmen, sondern eine zusätzliche Stilrichtung diktieren.

Viele weiche weiße Muster der gewebten, geklöppelten, gehäkelten Tücher und Deckchen haben sich ihre Pendants in der harten Keramik gesucht. Da die textilen Strukturen öfter einen kontrastierenden Hintergrund brauchen, um ganz präsent zu sein, platzierte ich die zentralen, totemartigen Kompositionen auf dem alten dunklen Schreibtisch.

Außer hart-weich bilden sich viele andere Kontraste, die industrielle Produktion und das Handgemachte (nicht alles, aber viel davon), geschlossen und offenporig, wasserfest und saugfähig, glatt und rauh, zum beinhalten entworfen oder zum stolzen liegen und betonen – zum Beispiel einer konservativen Vase mitten auf einem Tisch. Und viele mehr…

Was bleibt für mich sind die Aufnahmen und die Objekte, die hier bei uns wohnen, der Text und die Gedanken, die beim Stylen auftauchten. Die Leihgaben gehen zurück an ihre Besitzer. Das war’s!

ENGLISH: White relief ceramics

This time I had to borrow some objects from friends for the photo session as I only have a few. So that we can see enough variety (when is there enough variety?). I want to take a closer look at one particular type of object here, as always, and ask myself (- and them?) what they are all about and what that does to me.

I’ve already written a post about white porcelain, and the objects have also been the subject of a contrast with black. Some of them also cause déjà vu here.

This is primarily about the surface structure that these objects have in addition to their whiteness. These shots were taken far from the sunlight that saturates and dramatises other series. The diversity of these reliefs, especially together in dialogue, underlines the similarities and differences, various combinations make reference to each other.

Also associated with this are different nuances of white, the cold white of the bisque porcelain vessels, the milky glaze of the ceramics somewhat warmer – I think different nuances complement each other much more harmoniously than identical surface hues.

Why don’t I have them here in my collection and have to borrow them? I like them as an exception, especially the dynamic bowl with rocaille decoration (which doesn’t really fit into the scheme either, because its shape as a whole is very ornamental), but a whole collection would be too consistent for me, and – not least – too trendy. Many of these originals are currently being collected or reissued or similarly copied, and they seem to integrate well into the minimalist environment. Interestingly, white does not seem to be enough for many minimalists; contrary to the modernist disdain for ornament, these objects not only have form and function, but also decoration. This seems to imprint them clearly and literally, without having much influence on the function. Well, they have the grip, OK, but it is not essentially necessary to lift a vase, is it?

With white, sculptural forms, I always think with irony of the perception of rediscovered antiquity and the disappointment that the noble white figures had actually been brightly painted in their original state.

Unlike in my previous articles, I don’t throw things into a pile of chaos to catch their interactions criss-cross and be surprised, because I don’t want to damage the borrowed vases in any way. I place them carefully on a white glass plate and in front of a white wall in my studio (the only white walls in our flat). This results in a rather static, conservative composition, which surprises me. But I let the vessels dictate it to me and see where it takes me. After all, it should be coherent and the styling should match the character optimally.

What I like to observe here are the colour nuances of shadows: they are not uniform grey depths, they are influenced (or, as I like to say, flavoured) by what is outside the picture. How philosophical!

These shadow plays, if you stop for a moment to internalise them, are a kind of drawing with many crossovers.

I doubt whether the patterns always interact well with the respective form in the case of some objects. But I’m interested in the interaction. A chequered, strict structure that transmits its shadows to a ‘’barococo‘’ bowl, where they take on a swing like on a rollercoaster… Do you see this movement? This is possible when details are not only given a brief glance, but when an enquiring eye allows itself time for the subtleties.
To slow down a little and merge with light and shadow structures.

That was the still life series, (In German the funny word Stillleben with three ‘L ’s, which may seem all the more still as a result?). After that, I wanted to confront the protagonists with a different but related structure in a contrasting material. What naturally came up were other decorative elements, this time of a textile nature, which, as with the vessels, do not determine the function but dictate an overall style.

Many soft white patterns of woven, bobbin-lace and crocheted cloths and doilies have found their counterparts in the hard ceramics. As the textile structures often need a contrasting background in order to be fully present, I placed the central, totem-like compositions on the surface of an old dark desk.

In addition to hard and soft, there are many other contrasts: industrial production and the handmade (not everything, but a lot of it), closed and open-pored, waterproof and absorbent, smooth and rough, designed to be contained or to lie proudly and emphasise – for example, a conservative vase in the middle of a table. And many more…

What remains for me are the photographs and the objects that live here with us, the text and the thoughts that came up while styling them. The borrowed items go back to their owners. That’s it!